Ce cours s'adresse aussi bien aux guitaristes qu'aux autres musiciens, quel que soit votre style musical de prédilection, quel que soit votre niveau de l'instrument et quel que soit votre objectif, si vous souhaitez apprendre les rudiments de la composition pour jouer en groupe ou même devenir la star de demain !

Je vais essayer d'être le plus clair possible en vous parlant des rudiments de la composition, des conseils & astuces qui vous permettront d'avoir des bases solides sur lesquels vous appuyer pour après y apporter votre touche, votre patte et rendre vos compositions uniques.

Il vous faudra sans doute plusieurs essais avant d'obtenir un rendu qui vous plaira réellement, vous le retoucherai une fois, deux fois etc... Mais cela vous apportera de l'expérience, et c'est cela qui rendra vos compositions exceptionnelles au final !

Si  vous rencontrer des termes que vous ne connaissez pas au fil du cours, je vous invite à consulter mon :

• Vous avez trouvé une suite d'accords qui vous plaît ? Une mélodie ? Un rythme ? Peu importe votre ébauche même non aboutie, enregistrez-là avec un appareil dédié, un téléphone portable, un micro, un logiciel sur ordinateur... Car votre inspiration a frappé sur le moment et vous a procuré de la joie mais vous l'oublierez très vite !
• Le fait d'enregistrer vous permettra, de réécouter votre petit bout de chanson, de prendre du recul et de savoir si ce que vous avez fait vous plaît réellement, vous inspire et si cela vaut le coup d'en faire quelque chose de concret.
• En réécoutant en boucle, c'est comme si un autre musicien jouait votre morceau, dans ce cas, ça vous permettra (dans le cas d'une mélodie), d'essayer d'y rajouter des accords, un rythme de batterie (même avec des bruitages), des paroles, ou même demander un avis à un autre musicien pourquoi pas !

La structure représente les fondations et l'architecture de votre morceaux, sans elle, tout s'écroule !

Elle va vous permettre d'avoir des bases solides et un plan de travail type sur lequel s'appuyer pour composer. 

Votre composition est une histoire, vous allez raconter quelque chose aux autres par le biais de la musique, au même titre qu'un livre, qu'une pièce de théâtre ou un film. Dans tous les cas, l'histoire suit un schéma narratif précis :

1. La Situation Initiale qui présente les éléments nécessaires à la mise en route du récit et à la compréhension de celui-ci.
2. L'élément déclencheur qui modifie la situation initiale, fait perdre l'équilibre de cette dernière.
3. L'action qui sont les événements provoqués par l’élément perturbateur et qui entraînent la ou les actions entreprises par les héros pour atteindre leur but.
4. Le Dénouement qui met un terme aux actions et conduit à la situation finale.
5. La situation finale qui est le résultat, la fin du récit qui redevient stable.

Dans le cadre d'une chanson cela a un impact sur l'histoire que le chanteur veut raconter et les musiciens ont pour rôle d'accompagner, de rythmer cette histoire avec plusieurs sections qui formeront en definitive, la structure de votre morceau. Voici les principales sections:

1. L'introduction qui installe le climat, l'ambiance de votre composition, qui présente les instruments et la mélodie principal
2. Le couplet où arrive généralement le chant ou l'instrument qui compte l'histoire à l'auditeur. Il y en a généralement plusieurs dans une chanson.
3. Le pré-refrain, une section pas obligatoire mais qui parfois permet de faire progressivement monter la pression et de par le fait, faire une transition.
4. Le refrain qui est le moment phare de la chanson, le rythme s'intensifie, se démarque du couplet souvent par une phrase ou une mélodie en boucle sur laquelle l'auditeur s'identifie et qui lui reste dans la tête.
5. Le pont qui n'est pas obligatoire non plus mais qui permet de faire un break dans la chanson pour "surprendre" l'auditeur, faire une sorte de pause dans l'histoire avec un changement d'ambiance pour ensuite revenir sur un couplet ou sur un refrain.
6. Le solo, ce n'est pas obligatoire mais cela permet à un musicien en particulier de se mettre en avant de la scène et de montrer ses talents.
7. L'outro, une section qui a pour but de finir la chanson, parfois avec une baisse ou une hausse d'intensité dans le but de conclure la chanson.

Voici quelques exemples de structure sur lesquelles vous baser pour construire vos chansons :

• Intro - Couplet - Refrain - Couplet - Refrain - Pont - Refrain
• Intro - Couplet  - Refrain - Couplet  - Refrain x2 - Pont - Solo - Refrain x2 - Outro
• Intro - Couplet - Couplet - Refrain - Pont - Couplet - Refrain x2 - Outro
• Intro - Refrain - Couplet - Refrain - Couplet- Refrain - Solo - Refrain

Expérimentez, créez vos propres structures, parfois vous vous  direz : Ah non, pas de refrain dans cette chanson, ou alors 3 solos, ou même 2 ponts etc... Vous êtes le seul maître mais gardez néanmoins une cohérence sinon, votre morceau n'aura aucun sens et l'auditeur ne s'y retrouvera pas.

Je ne vais pas me lancer à vous donner des leçons d'harmonie dans ce cours sinon je serais obligé de l'étaler sur plusieurs articles, mais je vais synthétiser et au moins vous donner quelques bases en prenant un exemple dans plusieurs styles.

• Dans une musique de style Pop, variété, rock... Les accords utilisés ne sont pas choisis au hasard mais ils font tous partie d'une même tonalité, c'est à dire la gamme de référence. Voici un exemple d'harmonisation en accords avec la tonalité de C (Do Majeur) en notation anglophone :

Les musiciens vont donc construire leur chanson avec 2 ou 4 accords de cette tonalité. Prenons l'exemple : Am - F - C - G.

Voyez comme ils s'enchaînent bien ! Essayez à votre tour de trouver un enchaînement d'accord qui vous plaît. Certains musiciens n'hésitent pas à utiliser les mêmes accords maisen changeant l'ordre d'une section à une autre, vous pourriez bien avoir : 

• Couplet : Am - F - C - G
• Refrain : C - F- Am - G

[L'avantage à la guitare c'est que si vous n'êtes pas convaincu de la tonalité, les apprentis pourront toujours avoir recours à un capodastre pour changer la tonalité.]

Je vous renvoie à mon article sur les "Accords Magiques" pour plus de précisions à ce sujet. 

• En se basant sur ces accords, dans un style rock, punk, metal, ces accords perdront régulièrement leurs tièrce pour donner lieu et place à des accords de puissance "power chord" que l'ont va appelé : A5 - F5 - C5 - G5.

• Dans un style plus Jazz, Funk ou Soul, ces accords seront à 4 sons c'est à dire avec une 7è en plus : Am7 - FM7 - CM7 - G7.

• Dans un style Blues, l'enchaînement d'accords dans une section se fait de cette façon (pour la forme la plus basique) : 

• Pour trouver la mélodie principale de votre instru ou même celle du chant, le mieux est de connaître les arpèges de vos accords si vous avez commencer votre composition avec. 
• Un plus serait d'apprendre vos gammes, notamment la pentatonique majeur (et blues) de Do, ainsi que sa gamme majeure pour commencer. A partir de ces gammes, vous finirez par trouver des mélodies qui vous plairont.
• N'hésitez surtout pas à écouter et apprendre de nouvelles chansons car celles ci vous apporteront peut-être des idées pour vous lancer .

Comme pour l'harmonie, cela nécessiterait un cours complet et plus poussé sur le rythme mais je vais essayer de vous donner un petit plan de travail à suivre.

Lorsque j'aurai écrit un cours sur le rythme, je vous mettrai un lien vers lequel vous pourrez en apprendre davantage.

Le plus communément, le rythme sera Binaire (2 temps, 4 temps...) ou Ternaire (3 temps...)

Je vous rajouterai un extrait audio également pour chaque rythmique pour que vous appreniez à bien les entendre car ce qui va suivre risque d'être un poil trop théorique si vous n'êtes encore que débutants.

• Pour une chanson plutôt Pop, Folk, Rock, Le rythme sera plutôt binaire, en 4 temps, voici un exemple très simpliste de rythmique avec un Am :

• En rock, punk, métal etc... L'emploi d'accords de puissance en binaire est de mise. Ils jouent souvent toutes les croches mais accentuent simplement  les temps qu'ils désirent faire ressortir :

• En blues, ils utilisent régulièrement une figure rythmique appelée le "shuffle". C'est une interpretation ternaire d'un rythme binaire dans la lignée de la rythmique ci-dessus. 

• En Jazz, on a tendance à également jouer en interpretation ternaire également, voilà un exemple encore simpliste en Am7 mais que j'utilise souvent:

• En musique Funk, les rythmiques se jouent énormément avec des  ghosts notes c'est à dire en étouffant les cordes. On appelle ça familièrement une "cocotte". Le but est de jouer principalement les aigus de l'accord en grattant toutes les cordes à la main droite dans un débit de double croches mais en ghosts notes. On ne jouera uniquement les temps que l'on veut. La finalité fera un côté très groove et très percussif à la rythmique.

• Pour de belles paroles, il vous faudra une histoire à raconter, peu importe la langue, assurez-vous de la maîtriser et de comprendre ce que vous dites, c'est la clé pour faire passer une émotion. 
• Utilisez, comme en poésie, des rimes soit en forme croisés : ABAB, suivies : AABB, embrassés : ABBA, monorimes : AAAA... et une cohérence dans les vers, par exemple en quatrains (4 vers) etc... Bien  évidemment, il faudra rester aussi cohérent avec le  nombre de notes dans la mélodie, et que le rythme soit bon. Il serait imprudent de se dépêcher de chanter dans le but d'être en rythme avec la mesure à la fin.
• Encore une fois, inspirez-vous, copiez même vos chanteurs préférés pour vous imprégnez, trouver votre style et ensuite vous démarquer.